Jazz+

Marie Krüttli (Klavier)
Lukas Traxel (Kontrabass)
Gautier Garrigue (Schlagzeug)

Auf ihrem neuen Album Scoria (benannt nach dem Lavagestein), das im Oktober bei Intakt erscheinen wird, erschafft das Trio um Marie Kruttli eine musikalische Landschaft, die lebendige, filmische Bilder hervorruft und durch verschiedene Klangwelten führt. Krütlis Kompositionen bewegen sich nahtlos zwischen kontrastierenden Texturen. Mal sind sie fliessend und ruhig wie Wasser, mal trocken und karg wie in der Wüste. Dann wieder bauen sich die Stücke zu gewaltigen, kathedralenartigen Gebilden auf, um kurz darauf wieder in introspektive Tiefen abzutauchen. Inspiriert von der Liebe, der Zeit und der Natur vermischen sich in Maries Stücken traumartige Passagen mit erdigen Rhythmen. Das Album Scoria verkörpert genau diese Dualität – feurig und unverwüstlich, aber auch fähig, lebensspendendes Wasser aufzunehmen. „Und während sie das Gefühl einer Live-Schleife schaffen,“ schreibt Kevin Le Gendre in den Liner Notes, „erfüllt Krüttlis Trio seine Mission, Musik zu machen, die auf dem Weg zu unbekannten Zielen gekonnt viele Grenzen überwindet. Scoria ist ein Album, das mit einem ganz eigenen Zeitgefühl geschaffen wurde, und das immer wieder gehört werden sollte.”

Marie Krüttli ist eine in Berlin lebende Schweizer Pianistin, Komponistin und Produzentin. Sie wurde in einem Schweizer Dorf in eine Musikerfamilie geboren und begann im Alter von 6 Jahren mit dem Klavierspiel. Sie studierte zunächst klassische Musik, bevor sie zum Jazz wechselte (später absolvierte sie ein Bachelor- und Masterstudium an der HEMU Lausanne und der HSLU Luzern). Marie hat zahlreiche Preise für ihre Auftritte und Kompositionen erhalten. Die Band, mit der sie bisher am häufigsten aufgetreten ist, ist ihr Trio (jetzt mit dem Bassisten Lukas Traxel und dem Schlagzeuger Gautier Garrigue), aber die Künstlerin arbeitet auch Solo und einem Projekt namens Dragon Life, das aus ihrer Arbeit als Produzentin hervorgegangen ist.

Der Schweizer Bassist Lukas Traxel hat mit Größen wie Colin Vallon, Elina Duni, Lionel Loueke, Kurt Rosenwinkel und vielen anderen gespielt… Der französische Schlagzeuger Gautier Garrigue spielte mit Größen wie Henri Texier, Seamus Blake, Uri Caine… In Frankreich wurde er mehrmals zum „Schlagzeuger des Jahres“ gewählt.

Quotes from musicians:
– This young lady is phenomenal – saxophonist David Murray (during ZKB Jazz Preis win)
– A true piano language and compositional language, this is great! – pianist Jason Moran
– This music has a patient and adventuresome flow, and a real band chemistry!! – pianist Aaron Parks
– She is fearless!! – pianist Pablo Held

Presse:
– Die unerschrockene Schweizerin, die in Berlin lebt, liebt am Instrument abenteuerliche Akkordfolgen, lyrisch-sparsame Momente und dichte Pianistik gleichermaßen. Unter ihren 13 Trio-Miniaturen sind mitreißende, rhythmische Themen („Thinky Hearts“ „Balthazard“), aber auch ungewöhnliche Klangbilder, insistierende Motivbildungen oder kontrastreiche mehrteilige Stücke. Das evoziert-gerade in der Abwechslung – starke Visionen filmischer, aber auch philosophischer Art. –  jazzthetik, Hans-Jürgen Schaal
– Die junge Pianistin unterstreicht eine Souveränität im Spiel, mit Technik und Intuition, Virtuosität und Emotion – Jazz n More
– Kruttli, coming classically from the exoteric realm of Anton Webern but with all the personality and tonality of Andrew Hill or Art Tatum, displays a distinctive, yet rapidly evolving, emotive language all her own. – All About Jazz
– Marie Kruttli affirme son originalité en réinventant l’art du trio et s’impose comme la nouvelle voix du piano jazz – Citizen Jazz

SCORIA
Cover art and graphic design: Fiona Ryan
Liner notes: Kevin Le Gendre
Photo: Palma Fiacco
Intakt CD 427
Release Date: October 2024

https://www.intaktrec.ch/427.htm

http://www.shoestring-jazz.de/artists/marie-kruettli-trio/

https://mariekruttli.com/

Foto © Palma Fiacco

Fotos © TJ Krebs

Steffi Narr (Gitarre)
Gregor Forbes (Klavier)
Robert Lucaciu (Kontrabass)
Johannes von Buttlar (Schlagzeug)

Das in Leipzig ansässige Altered Forms Trio, bestehend aus dem schottischen Pianisten und Komponisten Gregor Forbes, dem Bassisten Robert Lucaciu und dem Schlagzeuger Johannes von Buttlar, spielt improvisierte Musik und Eigenkompositionen mit einer ebenso raffinierten wie explosiven Klangwelt: eine windig-wilde, flatternde, neugierige, stachelig-fröhliche, grüblerische Post-Cecil-Taylor-Stimmung, eine Crumble-Jazz-Ästhetik.

Gegründet 2019 und mit regelmäßigen Konzertterminen und Kollaborationen mit Koryphäen wie Steffi Narr,, Angelika Niescier, Fred Frith, Gabby Fluke-Mogul und Raymond MacDonald hat sich das Trio einen unverwechselbaren Platz in der deutschen Jazz- und Improvisationsmusikszene erspielt. Ihre Avantgarde-Mentalität verschmilzt mit spontaner Spielfreude und ekstatischer Energie zu einer einzigartigen kreativen Kraft.

Presse:

“The music on the recording crackles with energy and elasticity, with the rhythm section bringing jagged propulsion to the splattery lines of Forbes. As you can hear below on the piece “Splinter Shot” the trio delivers an infectious bob-and-weave attack, with each musician simultaneously in alignment while also pushing against one another, generating a delicious tension. On some of the material, such as “Blue Greegs,” the pianist summons the more introspective side of Cecil Taylor, eschewing his explosive fury in favor of the more ruminative searching contained in his playing, Forbes will lay out a phrase or line, letting it hang pregnant in the air before making his next move, elaborating on the gesture or darting off in another direction. The febrile, chunky support from Lucaciu and von Buttlar allows the pianist to carve out space or unleash a contrary thrust. There are moments when the trio come together in a more conventional fashion, but the excitement in the music is shaped by a wonderful internal dissension.”

Peter Margasak
https://petermargasak.substack.com/p/spaces-displaced

“Leaning towards the harmonic and rhythmic sensibilities of jazz, their music is largely freely improvised, their spiky, changeable soundscapes suggesting kinship with the Howard Riley trio of the early 1070s featuring Tony Oxley and Barry Guy.

Pianist Gregor Forbes offers Cecil Taylor inflected phrasing (swiftly repeated figures in octave transposition, jackhammer tremolandi) while reining in the more obviously outré aspects traditionally associated with free jazz pianism (clusters, gnarly dissonances, ‘energy’ playing). Bassist Robert Lucaciu is an active bass player without being overly busy … while drummer Johannes von Buttlar is particularly acute on brushes, leaning into the ambiguity they offer between momentum and stasis. Some tracks cover a variety of moods, others are more like etudes in a single area. The opener “Voles” finds Forbes repeating an upward and downward scalar figure, each time with minute alterations, over Lucaciu’s creaks and plucks, like turning a microscope on what might have otherwise been just one part of a longer improvised solo.

Elsewhere, as on “Blue Greegs”, the album’s only track to include composed material, the pianist’s sombre lyrical alterations are given weight and resonance by judicious, but not excessive, use of the sustain pedal. If the album has a single modal characteristic, I’d call it a kind of introspective extroversion. Drummer von Buttlar keeps things moving, but moving as if hanging in the air, whether with skittering or whispering brushes or crisp cymbal rhythms, so that space hangs between notes and phrases – notably when the spectra of bass harmonics and the after-echo of sustain pedalled piano notes merging to hang in the air on “Undergrowth”, a lovely effect.

“Prism” features some of the densest music on the record, opening with what is effectively a drum solo over scrabbling bass and inside-piano pluck before a series of staggered chords leads into the hushed magic of a consonant close. A band to watch.”

David Grundy, The Wire magazine

Das Debütalbum des Altered Forms Trio ist ab 4. Oktober 2024 bei Boomslang Records (Österreich) als Vinyl, CD und Download erhältlich. Recorded, mixed and mastered by Tito Knapp at Zentrifuge, Berlin. Album artwork by Julian Kramer

https://boomslangrecords.bandcamp.com/album/altered-forms-trio

https://www.boomslang-records.com/releases/altered-forms-trio

Gregor Forbes squarespace.com

Foto © Sebastian Lautenbach

Fotos © Robert Fischer

Fotos © Guillermo Luz Y Graf

Camila Nebbia (Saxofon)
Kit Downes (Klavier)
Andrew Lisle (Schlagzeug)

Das Improvisationstrio „Exhaust“ besteht aus der Saxophonistin Camila Nebbia, dem Pianisten Kit Downes und dem Schlagzeuger Andrew Lisle. Sie trafen sich in der freundschaftlichen Umgebung des spontanen Musizierens – des schnellen Denkens und der klanglichen Erkundung. Ihr erstes Album „Exhaust“ erscheint Anfang 2025 auf dem New Yorker Label Relative Pitch, nachdem sie in ganz Europa auf Festivals und an Orten wie dem Berliner Jazzfest, dem Bimhuis in Amsterdam, dem Cafe Oto in London und dem Jazz Jantar in Danzig aufgetreten sind.

Die aus Buenos Aires stammende und in Berlin lebende Camila Nebbia ist Saxophonistin, Komponistin, Improvisatorin, bildende Künstlerin und Kuratorin. Die Zeitschrift Jazz PT bezeichnete sie als „eine unverzichtbare Saxophonistin unserer Zeit“. Die multidisziplinäre Künstlerin erforscht in ihrer Arbeit die Konzepte von Identität, Migration und Erinnerung, indem sie archivierte Erinnerungen schafft und zerstört.

Ihr jüngstes Soloalbum „una ofrenda a la ausencia“ (ein Angebot an die Abwesenheit), erschienen bei Relative Pitch Records, wurde von NYC Jazz Record als „ein sehr menschliches und persönliches Album, das den Hörer mit einem leidenschaftlichen Zugang zum Jazz überrascht“ beschrieben.

Sie spielte und nahm mit vielen Künstlern der internationalen Szene auf, darunter Marilyn Crispell, Michael Formanek, Angelica Sanchez, Randy Peterson, Tom Rainey, Patrick Shiroishi, Vinnie Sperrazza, Katt Hernandez, Kenneth Jimenez, Lesley Mok, Susana Santos Silva, Elsa Bergman, l‘ Arfi collective of Lyon, Joanna Mattrey, Vincent Dromowski’s Flow regulator, Kit Downes, Andrew Lisle, John Hughes und viele andere.

Mitbegründerin und Kuratorin des interdisziplinären Kollektivs und der improvisierten Musikreihe „La Jaula se ha vuelto pájaro y se ha volado“, des interdisziplinären Festivals „Guillotina Fest“ und Gründerin und Kuratorin der Streaming-Konzertreihen „The warmth of proximity“ und „A door in the mountain“. Kuratorin der Reihe „Disfigured Rivers“ in Berlin.
Camila Nebbia wird gefördert von D’Addario Woodwinds.

Kit Downes ist ein mit dem BBC Jazz Award ausgezeichneter und für den Mercury Music Award nominierter Solokünstler für ECM Records. Mit seinen eigenen Bands (ENEMY“, Troyka“ und Elt“) und mit Künstlern wie Squarepusher, Bill Frisell, Empirical“, Andrew Cyrille, Sofia Jernberg, Benny Greb, Mica Levi und Sam Amidon ist er als Pianist, Kirchenorgel und Harmoniumspieler weltweit unterwegs.

Kit gibt Solokonzerte an der Pfeifenorgel und am Klavier und arbeitet mit dem Saxophonisten Tom Challenger, der Cellistin Lucy Railton, dem Komponisten Shiva Feshareki, dem Saxophonisten Ben van Gelder und der Band ‚ENEMY‘ (mit Petter Eldh und James Maddren) zusammen.

Zurzeit arbeitet er mit dem Geiger Aidan O’Rourke, dem Schlagzeuger Seb Rochford, dem Komponisten Max de Wardener und im Orgeltrio „Deadeye“ mit Reinier Baas und Jonas Burgwinkel.

Er schrieb Auftragswerke für das Cheltenham Music Festival, das London Contemporary Orchestra, das Bieler Orgelfestival, das Ensemble Klang beim ReWire Festival, das Scottish Ensemble, die Kölner Philharmonie und den Wellcome Trust. Von 2017 bis 2018 wirkte er in der Produktion „Network“ des National Theatre mit dem Schauspieler Bryan Cranston mit.

Er gab Orgel-Solokonzerte in der Elbphilharmonie in Hamburg, in der Kathedrale von Lausanne, im Flagey in Brüssel, in der Royal Albert Hall in London sowie in der Southbank Royal Festival Hall, beim Rochester Jazz Festival (USA), in St. Olafs Minneapolis (USA), im Stavanger Konserhus, im Aarhus Philharmonic Musikhuset, beim Darmstädter Orgelfestival, beim Stuttgarter Orgelfestival, in der Laurenskerke in Rotterdam, im Orgelpark Amsterdam, in der Kaiser-Wilhelm-Gedächtniskirche, beim Jazzfest Berlin, bei den BBC Proms und vielen anderen.

Er ist Stipendiat der Royal Academy of Music in London, an der er selbst studiert hat und heute unterrichtet. Zweimal wurde er beim Downbeat Critics Poll zum Rising Star für Orgel bzw. Keyboard gewählt, und seine ECM-Alben Obsidian“, Dreamlife of Debris“ und Vermillion“ wurden von der Kritik hoch gelobt.

Andrew Lisle ist in Northumberland geboren und aufgewachsen und lebt heute in London. Sein schnelles und sehr strukturiertes Spiel voller rhythmischer Komplexität macht ihn zu einem gefragten Mitglied der fruchtbaren Jazz- und Improvisationsmusikszene. Lisle, der sowohl treibend als auch abstrakt spielt, hat mit vielen führenden Stimmen der britischen und europäischen improvisierten Musikszene zusammengearbeitet, darunter Kit Downes, John Edwards, Alex Ward, Charlotte Keeffe, Ab Baars, Rodrigo Amado, Hernani Faustino, John Dikeman, Colin Webster und Dirk Serries.

Social media:
https://www.instagram.com/lamujerparecidaami/
https://www.instagram.com/kitdownesmusic
https://www.instagram.com/andrew_lisle/

Web:
https://www.camilanebbia.com/
https://www.kitdownesmusic.com/
https://linktr.ee/andrewlisle

Foto © Cristina Marx/Photomusix

Fotos © Ssirus W. Pakzad

Fotos © Guillermo Luz Y Graf

Sebastian Gille (Saxophon)
Elias Stemeseder (Klavier, Synthesizer)
Leif Berger (Schlagzeug)
Florian Herzog (Kontrabass)

Ein Irrgarten ist ein Ort, an dem man sich verliert, ein Labyrinth hingegen ein Platz, an dem man sich findet. Der Kölner Bassist Florian Herzog durchbricht auf seinem Album „Almost Natural“ die schmale Trennwand zwischen Labyrinth und Irrgarten und schafft ein Refugium, an dem sich nicht nur er und seine Mitmusiker, sondern auch die Hörerinnen und Hörer der Platte gleichzeitig finden und verlieren können.

Grundsätzlich lebt „Almost Natural“ von brillant ausbalancierten Gegensätzen. Das Hyperaktive begegnet dem Entspannten, das Verbindliche dem Unverbindlichen, das Synthetische dem Organischen, das Abstrakte dem Zugänglichen, das in sich Gebrochene dem kontinuierlich Fließenden, das Groovige dem Avantgardistischen. Herzog lotet alle Ecken und Winkel seiner musikalischen Persönlichkeit aus, ohne jemals das Epizentrum aus dem Blick zu verlieren. Er scheut sich nicht vor Extremen, die sich aber immer über das gemeinsame Zentrum definieren. „Wenn ich schreibe, setze ich immer auf diese Kontraste“, hält der Bassist fest. „Die freie Improvisation ist mir ungeheuer wichtig. Bei aller Abstraktion suche ich aber auch stets nach einem Kern, der die Musik zugänglich macht. Das kann eine Melodie oder ein Groove sein, der ein Kopfnicken auslöst, auch wenn man bei Hören vielleicht gar nicht hundertprozentig nachvollziehen muss, was da wirklich passiert. Bei der Setlist des Albums genauso wie beim Ablauf eines Live-Konzerts weiß ich, dass man nach fünf Minuten Chaos erstmal wieder ein paar Melodien oder Akkorde zum Entspannen braucht. Im Großen wie im Kleinen.“

Mit voller Absicht führt Herzog das Ohr schon in den ersten beiden Tracks in die Irre. Der Opener „Listening Integrity“ ist ein Feuerwerk an Abstraktion und Wildheit, während der zweite Song „Advanced Computer Music“ sanft an die Klangästhetik von Fusion Jazz erinnert, ohne es an struktureller Komplexität mangeln zu lassen. Auch in der Folge macht Herzog äußerst vielfältige Angebote, als würde man über einen Archipel von Inseln mit ganz verschiedenen klimatischen Bedingungen, geologischen Formationen und Besiedlungsdichten fliegen. Und doch gehören all diese Eilande zu ein und derselben Inselgruppe. Herzog hat diese beiden Songs, die gegensätzlicher kaum sein könnten, bewusst an den Anfang des Albums gesetzt, um nicht nur das Spektrum der Songs abzustecken, sondern durch den positiven Schock des ästhetischen Systemwechsels beim Hören auch einen Höchstgrad an Aufmerksamkeit zu generieren.

Vieles klingt hier nach im ersten Augenblick Free Jazz, doch Herzog behält viel zu viel Kontrolle über den musikalischen Gesamtprozess, als dass es wirklich genuiner Free Jazz wäre. Mit seinen Kollegen Elias Stemeseder an Klavier und Synthesizer, Sebastian Gille am Saxofon und Leif Berger am Schlagzeug hat der Bassist drei Mitstreiter, mit denen er nicht nur jeden erdenklichen Spielgrund ausschreiten kann, sondern die sich auch – um beim oben genannten Bild zu bleiben – in jeder Situation individuell und kollektiv komplett verlieren können, um sich genauso schnell und intuitiv wiederzufinden. Womit ein weiterer sich bedingender Gegensatz gefunden wäre: der permanente Dualismus zwischen Festhalten und Loslassen.

Mit seinen drei Mitspielern verbindet Herzog eine Symbiose, die sich am besten mit dem Albumtitel almost natural beschreiben lässt. In blindem Einverständnis preschen sie gemeinsam los, fangen sich gegenseitig auf, durchdringen einander, grenzen sich zuweilen auch voneinander ab, um die miteinander geschaffenen Demarkationslinien sogleich wieder aufzulösen. Im kollektiven Spiel verlagert sich das Impulszentrum unentwegt. Am längsten kennt Florian Herzog Drummer Leif Berger. Die beiden Kölner bilden seit ungefähr zehn Jahren in den unterschiedlichsten Formationen eine stabile Rhythmuseinheit. Herzog betont, dass sie in diesem Zeitraum nebeneinander und miteinander gewachsen sind, ohne dass Einer von beiden je in einer Band des jeweils Anderen gespielt hätte. Mit „Almost Natural“ geht somit ein lange gehegter Wunsch in Erfüllung. Den österreichischen Tastenmann Elias Stemeseder lernte Herzog in New York kennen. Die beiden Musiker waren Nachbarn und ließen keine Gelegenheit aus, miteinander zu spielen. Wie Berger zeichnet sich auch Stemeseder durch eine schier grenzenlose intuitive Flexibilität aus, die ihn nicht nur spontan auf jeden Kontext reagieren, sondern auch stets in Vorleistung gehen und gestalten lässt. Seine Sounds sind speziell auf dem Synthesizer, den er im Ursprung des Wortes zur expliziten Klang-Synthese benutzt, nicht zuletzt das Bindemittel, das die Intentionen der drei Anderen zusammenhält. Die Partnerschaft mit dem für seine Husarenritte bekannten Saxofonisten Sebastian Gille verdichtete sich während der Corona-Zeit. Man traf sich regelmäßig gemeinsam mit Leif Berger und begann die Grundlage für die Stücke zu legen, die jetzt auf „Almost Natural“ vollendet wurden. Herzog selbst agiert hier nicht nur als Bassist und Komponist, sondern auch als Post Producer, der nach den Echtzeit- Sessions mit viel Fingerspitzengefühl Hand anlegte und den Songs ihren endgültigen Schliff verlieh.

In den speziellen Qualitäten dieser Besetzung bringt Florian Herzog den Mut zu einer Entscheidung auf, die man im Jazz ebenso selten antrifft wie in allen anderen Musikrichtungen. Das Quartett definiert sich weniger über seine gemeinsame Schnittmenge als über die individuellen Gegensätze seiner Mitspieler. Daraus resultiert eine geradezu explosive Spannung, ganz egal, ob es sich um die dynamischeren Parts oder die ruhigeren Phasen handelt. Aus der Unterschiedlichkeit der jeweiligen Positionen heraus können sich die vier Musiker in jedem Stück neu begegnen. Die Interferenzen des Zugangs und der Auffassungen ermöglichen einen Mehrwert, der weit über das von der Besetzung Saxofon-Tasten- Bass-Schlagzeug Erwartbare hinausgeht. Die übliche Rollenverteilung wird konsequent aufgebrochen und die Anteile neu und stets überraschend montiert.

Die Dramaturgie von „Almost Natural“ lässt sich am besten mit dem Songtitel „Misleading Energy“ beschreiben. Es ist wie ein aktiver Vulkan, dessen Kamine hier und da aufbrechen und kochende Lava in die Umgebung spucken, auf dessen fruchtbaren Hängen es aber ansonsten grünt und blüht. Zuverlässige Unvorhersehbarkeit – das ist es, was dieses Album vor allem anderen auszeichnet.

Foto © Patrick Essex

www.florianherzog.info

Fotos © Robert Fischer

Fotos © Guillermo Luz Y Graf

Richard Koch (Trompete, Komposition)
Michael Hornek (Klavier)
Igor Spallati (Kontrabass)
Moritz Baumgärtner (Schlagzeug)

Richard Koch hat sich bereits einen exzellenten Ruf als Trompeter erarbeitet. So kann man ihn auf einem der erfolgreichsten Alben der jüngsten deutschen Pop-Geschichte dieses Landes („Stadtaffe“ von Peter Fox), aber auch im Ensemble des finnischen Space-Travellers Jimi Tenor spielen hören.

Auf seinem neuen Album FLUSS sind es wieder einmal die herausragenden Kompositionen, die Richard Koch von so vielen sinnsuchenden Jazzmusiker*innen da draußen unterscheidet. Weil er so ein tolles Melodie-Gespür hat, braucht sein Quartett auch keinerlei Sound-Verfremdungen oder neue Hochleistungsrekorde. Kochs Quartett klingt im besten aller Sinne tradiert, in einer Tradition mit den Quartetten und Quintetten der großen Trompeter*innen des Jazz. (R.I.P. Jamie Branch!).

Ja, Kochs Musik hat Soul! Und jedes seiner musikalischen Themen klingt‚ voller Demut und tiefer Dankbarkeit für das, was er für uns praktizieren darf: Den Raum zum Fließen zu bringen. Und damit bringt er die Saiten unserer Seelen in uns zum Schwingen.
(Maurice Summen)

“Für mich strahlt die Musik eine große Freude aus, wie ich sie nur von wenigen hierzulande kenne.”
Bert Noglik

“Koch gönnt sich eine geradezu kindliche Lebensfreude, dass uns das Herz lacht.”
Albert Hosp, Radio Ö1

„Kontemplativ und virtuos formuliert Koch seine bluesigen Stimmungen. … Eine traurig-schöne Liebeserklärung an den urbanen Raum.“
3Sat Kulturzeit

Foto © Ulla C. Binder

www.richardkoch.at

Fotos © Robert Fischer

Sonderkonzert zum 30-jährigen Jubiläum der Jazz+ Reihe

Achim Kaufmann (Klavier)
Nick Dunston (Kontrabass)
Mariá Portugal (Schlagzeug und Percussion)

Ein Anspruch des improvisierenden Musikers besteht darin, sich neuen musikalischen Situationen auszusetzen. Berlin bietet durch den ständigen Influx, die kontinuierliche Bewegung der Szene, eine Menge Gelegenheiten hierfür. Was wir als Einzelne in den Prozess mit einbringen, fließt in die kollektiv gestaltete Musik mit ein – unsere Persönlichkeiten, Geschichten, Prägungen.

Nick Dunston und Mariá Portugal sind auf ihren Instrumenten und als Komponist bzw. Komponistin wegweisend. Beide sind jetztzeitige Künstler, sie verändern das Bestehende. Sie stehen aber auch in Verbindung mit reichen musikalischen Traditionen. Für mich ist diese Mischung inspirierend und vielversprechend. Ich freue mich auf die Begegnung mit den beiden und eine Musik, in der Klang, kinetische Energie und Provokation ihren Platz haben sollen.

Achim Kaufmann

“Achim Kaufmann ist seit vielen Jahren eine der inspirierendsten und spannendsten Persönlichkeiten der europäischen Jazz- und Improvisationsszene. Seine Musik zeugt von großer harmonischer Subtilität und struktureller Tiefe. Als brillanter Pianist und Komponist hat ihn die reflektierte Auseinandersetzung mit der Tradition zu einer nuancierten, zeitgenössischen Klangsprache geführt, die Poesie, Energie und Abstraktion gleichermaßen umfasst.”
(Julia Neupert, SWR Radio)

Nick Dunston ist ein akustischer und elektroakustischer Komponist, Improvisator und Multiinstrumentalist. Er wird als “unverzichtbarer Akteur der New Yorker Avantgarde” (New York Times) bezeichnet und tritt an einer Vielzahl von Veranstaltungsorten und Festivals in Nordamerika und Europa auf.

Mariá Portugal ist eine brasilianische Schlagzeugerin, Sängerin, Komponistin, Musikproduzentin und Improvisatorin, die seit 20 Jahren in der brasilianischen Musikszene aktiv ist.

achimkaufmann.com
nickdunston.info
mariaportugal.com

Foto © Cristina Marx/Photomusix

Fotos © Guillermo Luz Y Graf