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Leo Genovese (Klavier)
Camila Nebbia (Saxophon)
Alfred Vogel (Schlagzeug)

Bei „Eyes to the Sun“ treffen drei unverwechselbare musikalische Stimmen in einem Dialog von seltener Sensibilität und Tiefe aufeinander. Der argentinische Pianist Leo Genovese, Grammy-Preisträger und langjähriger Klangforscher, der unter anderem mit Wayne Shorter, Joe Lovano und Jack De Johnette gespielt hat, tut sich mit der argentinischen Saxophonistin Camila Nebbia und dem österreichischen Schlagzeuger Alfred Vogel zusammen – beide stehen an der Spitze der heutigen europäischen Improvisationsszene –, um ein Album zu schaffen, das zwischen unerwarteter Form und spontaner Entdeckung schimmert.

Die Musik entfaltet sich mit stiller Intensität – eine Konstellation aus Texturen, Gesten und lyrischen Fragmenten, die gerade noch jenseits der Definition zu schweben scheinen. Genoveses Klavier spricht in wechselndem Licht, mal kontemplativ, mal explosiv; Nebbias Saxophon bewegt sich zwischen Flüstern und Schrei und zeichnet Linien der Verletzlichkeit und des Widerstands nach; Vogels Schlagzeugspiel haucht dem Ensemble Raum ein und verankert den Puls gleichermaßen, wie er ihn wieder loslässt.

Aufgenommen in einer Atmosphäre des aufmerksamen Zuhörens und der offenen Improvisation in Buenos Aires im Dezember 2023, spiegelt „Eyes to the Sun“ ein gemeinsames Bekenntnis zur Präsenz wider. Das Zusammenspiel des Trios lässt Landschaften erahnen – innere und äußere –, in denen Stille Teil der Musik wird und Klang zu einer Form des Gesprächs. Das Ergebnis ist eine Aufnahme von poetischer Zurückhaltung und strahlender Freiheit – Musik, die den Zuhörer einlädt, nicht wegzuschauen, sondern hinzuschauen: hin zur Wärme, hin zum Bewusstsein, hin zur Sonne.

FREE JAZZ COLLECTIVE über „EYES TO THE SUN“ live beim Jazzfestival Saalfelden 2025 (freejazzblog.com):

Das kleine Theater ist voll mit Gästen im Parkett, während sich oben auf dem Balkon die Presse und VIPs zusammen mit anderen Musikern drängen. Wer keinen Platz an der Brüstung ergattert, hat kaum eine Sicht auf die Bühne. Ich stecke hinter dem schlaksigen Schlagzeuger Leif Berger fest. Glücklicherweise ist die wunderbar lebhafte und dynamische Darbietung laut und wild genug, um die Fantasie zu beflügeln (und Leif geht schließlich in die Hocke, sodass ich etwas sehen kann!). Gelegentliche Blicke lassen mich erahnen, wie Leo lebhaft über das gesamte Tastenspektrum seines Klaviers springt, wie Camila ihr Saxophon mit voller Kraft rockt und wie Alfred tief versunken mit Geschwindigkeit und Anmut um sein Schlagzeug schwebt. Dieser verrückte, atonale Ausraster ist auf die beste, befriedigendste Art düster und herausfordernd.

Leos schnelle Tastenläufe zusammen mit Camilas rasanten Trillern sind rasend und fügen sich nahtlos ineinander. Crescendos werden passend auf Alfreds drei Becken betont; außerdem erkundet er in den ruhigeren Momenten eine Reihe verschiedener Perkussionsartikulationen, darunter Bongos, Gummischlägel und kleine Gegenstände.

Alfred erzählt uns, dass bei ihm im Jahr 2023 akute Leukämie diagnostiziert wurde und dass die Band, die gerade erst Aufnahmen gemacht hatte, beschloss, ihr Album auf jeden Fall zu veröffentlichen. Songtitel wie „Glint“ und „Glow“ erinnern an die Desorientierung, die man empfindet, wenn man direkt in die Sonne blickt. Es scheint, wie Alfred sagt, als wolle das Universum, dass er „zurückkommt“. Darauf folgt lauter Applaus. Leo holt eine Klarinette hervor, und schon geht es mit voller Kraft in die zweite Runde. Ein Duell der Holzblasinstrumente und ein superschneller Groove von Alfred – rasantes, knackiges Schlagzeugspiel, begleitet von flatterndem, stotterndem Saxophon und Klarinette. Diese Gruppe lässt nicht locker, und niemand scheint zu bemerken, dass es 23:30 Uhr in den österreichischen Alpen ist und nicht in irgendeinem schäbigen kleinen Keller in New York.

https://www.boomslang-records.com/releases/eyes-to-the-sun

Foto © privat

Reza Askari (Kontrabass)
Matthew Halpin (Tenorsaxophon)
Bertram Burkert (Gitarre)
Max Stadtfeld (Schlagzeug)

Mit STAX hat der Leipziger Schlagzeuger und Komponist Maximilian „Max“ Stadtfeld eine Band geschaffen, die zu den spannendsten Stimmen des zeitgenössischen europäischen Jazz zählt. Das Quartett verbindet lyrische Offenheit, rhythmische Raffinesse und eine ausgeprägte Freude am gemeinsamen musikalischen Erzählen.

Seit dem Debütalbum Stax (ACT Music, 2019) hat sich die Formation kontinuierlich weiterentwickelt. Es folgten Suboptimal (Klaeng Records, 2022) und zuletzt Fancy Future (Boomslang Records, 2024), ein Album voller Zuversicht und klanglicher Fantasie, das einen optimistischen Gegenentwurf zu einer zunehmend komplexen Welt entwirft.

Im Zentrum steht Stadtfelds unverwechselbare kompositorische Handschrift: melodisch, verspielt und stets offen für spontane Entwicklungen. Gemeinsam mit dem irischen Saxophonisten und Flötisten Matthew Halpin, dem Gitarristen Bertram Burkert und dem Bassisten Reza Askari entsteht ein Bandsound, der gleichermaßen transparent wie kraftvoll wirkt. Die vier Musiker begegnen sich mit großer Aufmerksamkeit und lassen ihre Stücke in jedem Konzert neu entstehen.

STAX bewegt sich mühelos zwischen modernem Jazz, kammermusikalischer Feinheit und energiegeladenen Improvisationen. Die Musik lebt von intensiver Interaktion, überraschenden Wendungen und einer großen stilistischen Offenheit. Dabei entsteht eine Klangsprache, die zeitgenössisch und eigenständig ist – voller Wärme, Dynamik und erzählerischer Tiefe.

Max Stadtfeld STAX, Fancy Future
Boomslang Records/ boomslangrecords.bandcamp.com

Max Stadtfeld STAX – Fancy Future (Cover)Zum dritten Album „Fancy Future“ des Leipziger Schlagzeugers Max Stadtfeld und seinem Quartett STAX gibt es ein Comicbuch, gezeichnet von Ebony Schneeweiß. Der Rezensent kennt dieses Buch nicht. Wenn die Bildergeschichte aber genauso schrullig-verträumt ist wie die Musik auf „Fancy Future“, will man irgendwann beides auch mal relaxt hören und schauen. Stadtfelds Musik mit ihm, Matthew Halpin (Saxofon), Reza Askari (Bass) und Bertram Burkert (Gitarre), entwickelt jedenfalls einen warmen Melos, der einen die Augen schließen lässt, sie besitzt gleichzeitig diesen emotionalen Cry, der einen oftmals doch wieder wachrüttelt, und hat einen zupackenden Groove, der einen nicht mehr loslassen will. Die vier interagieren auf Augenhöhe, vieles scheint aus dem Augenblick heraus zu entstehen und besitzt dieses Moment, sich fest im Jetzt verorten zu wollen. Die Produzentenhandschrift von Alex Binder trägt das Ihre dazu bei, dass die acht Songs ganz direkt und so überhaupt nicht nach Jazz klingen. Wow!

Text: Martin Laurentius, Jazz thing 154

www.maxstadtfeld.de

Foto © Lukas Diller

Amalie Dahl (Saxophon)
Camila Nebbia (Saxophon)
Sun-Mi Hong (Schlagzeug)
Elisabeth Coudoux (Cello)

DaughterDaughter nennt sich ein kollaboratives Quartett, das mit vier Improvisationskünstlerinnen aus Oslo, Berlin, Köln und Amsterdam besetzt ist.

Die in Dänemark geborene und in Oslo lebende Altsaxofonistin Amalie Dahl steht für einen eigenen und persönlichen Zugang zur gleichermaßen freien wie tonal gebundenen Improvisationsmusik, in der sie ihr energiegeladenes Spiel oftmals in emotionale Sounds verdichtet. Ähnliches lässt sich über die in Berlin lebende und in Buenos Aires geborene Tenorsaxofonistin Camila Nebbia sagen. In ihren Projekten verarbeitet sie Themen wie Identität, Migration und Integrität als eindringlich-drängende Improvisationsmusik.

Die Kölnerin Elisabeth Coudoux hat auf ihrem Instrument, dem Cello, zu einem eigenen Personalstil gefunden, in dem sie unter anderem Geräuschhaftes mit Melodischem kombiniert. Und die in Südkorea geborene, in Amsterdam lebende Schlagzeugerin Sun-Mi Hong fühlt sich dann am Wohlsten, wenn sie sich mit ihrem ausdifferenzierten Drumming zwischen konkretem Beat und offenem Pulsieren wiederfindet.

Foto © Dovile Sermokas

Stefan Karl Schmid (Tenor Saxophon, Klarinette)
Leonhard Huhn (Alt Saxophon, Klarinette)
Stefan Schönegg (Konrabass)
Fabian Arends (Schlagzeug)

Seit über 14 Jahren bewegt sich Schmid’s Huhn an der Schnittstelle von Komposition und freier Improvisation. Was als Begegnung von vier individuellen musikalischen Stimmen begann, hat sich zu einem unverwechselbaren Ensemble entwickelt, einem Organismus, dessen Klang aus ständiger Bewegung, gegenseitiger Einflussnahme und kollektiver Vorstellungskraft entsteht.

Mit ihrem neuen Album At The Mercy Of External Conditions richtet die Band den Blick auf die Kräfte, die musikalisches und menschliches Handeln prägen. Der Titel verweist auf eine grundlegende Erfahrung: Kein Gedanke, keine Entscheidung und keine musikalische Geste entsteht unabhängig von ihrem Umfeld. Menschen sind geprägt von Orten, Begegnungen, gesellschaftlichen Entwicklungen und persönlichen Lebenswegen. Sie reagieren auf äußere Bedingungen, absorbieren Einflüsse und verändern sich fortwährend.

Gerade darin entdeckt Schmid’s Huhn jedoch kein Gefühl der Ohnmacht, sondern eine kreative Ressource. Die Musik des Quartetts versteht äußere Einflüsse nicht als Einschränkung, sondern als Material. Individuelle Erfahrungen, musikalische Vorlieben, spontane Impulse und unvorhersehbare Situationen werden aufgenommen, weitergedacht und in einen gemeinsamen Klangraum überführt. Aus dem Zusammenspiel entstehen Ideen, die größer sind als die Summe ihrer Teile.

Stilistisch verbindet die Band Elemente aus Post-Bop, Cool Jazz, Avantgarde und zeitgenössischer Improvisationsmusik zu einem Sound von struktureller Tiefe und energetischer Präsenz. Komposition und Improvisation stehen dabei nicht als Gegensätze nebeneinander, sondern bilden ein offenes System, in dem sich Form und Freiheit gegenseitig bedingen.

Nach vier Alben, zahlreichen Konzerten und internationalen Auftritten markiert At The Mercy Of External Conditions einen weiteren Entwicklungsschritt. Das Album dokumentiert eine Band, die Wandel nicht als Ausnahmezustand begreift, sondern als ihr zentrales Prinzip: aufmerksam für das Außen, verwurzelt im Kollektiv und stets offen für neue Richtungen.

“Spoiler: es kommt eines der mutmaßlich besten deutschen Jazzalben des Veröffentlich-ungsjahres 2026 dabei heraus!” (Michael Rüsenberg | JazzCity)

“…emphatisch improvisierte Musik in einem Quartett, das sich seine Garagen-Dschungeligkeit klingend auf dem Dickkopf Hindemiths tranzendend-tanzend bewahrt hat.” (Martin Hufner | NMZ)

„Die beiden machen verrückte Sachen, ihre Arrangements sind mitunter so vertrackt, dass man sich an Steve Coleman’s M-Base erinnert fühlen kann. Andererseits: Nur selten ist die relaxte und schlanke Spielhaltung des Cool-Jazz und Westcoast besser in die Gegenwart geholt worden wie bei SCHMID’s HUHN.“ (hr-online)

„Schmid’s Huhn ist auf einer ständigen Gratwanderung unterwegs, getragen von vierfacher Trittsicherheit. Niemand stürtzt ab, und die Musik ist von zauberhafter Leichtigkeit.“ (Hans-Jürgen Linke, Frankfurter Rundschau)

„..das ist so perfekt, so leidenschaftlich, so durchdacht und spontan gleichzeitig, dass mit Layers (live) eine weitere Sternstunde des zeitgenössischen Jazz deutscher Prägung vorgelegt wurde!“ (Wolfgang Giese, Musik an sich)

www.stefankarlschmid.net
www.schmidshuhn.de

Foto © Florian Fries

Tony Malaby (Tenor Saxophon)
Jozef Dumoulin (Klavier)
Samuel Ber (Schlagzeug)

Tony Malaby (Charlie Hadens Liberation Orchestra, Paul Motians Electric Bebop Band, Mark Helias’ Open Loose, Fred Hersch, Tim Berne, Kris Davis), Jozef Dumoulin (Lidlboj, Octurn, The Red Hill Orchestra mit Dan Weiss & Ellery Eskelin, Plug & Pray mit Benoît Delbecq) und Samuel Ber (KARTET, Pentadox, Benoît Delbecq & The Multiplexers, Michael Attias, Bo Van Der Werf Mantra Magnets, Soet Kempeneer Trio) erkunden eine Musik, die aus Fluss, Impulsen, Texturen, Blickwinkeln, Erinnerung, Rotationen, Distanzen, Absichten, Ausbreitungen, Territorien, Geschwindigkeiten, Skalenwechseln und Intervallen besteht. Ihre Vorliebe für Verspieltheit treibt sie dazu an, die Musik in jedem Moment neu zu definieren, was sich auch im Aufnahmeprozess ihres neuen Albums „Trees on Wheels“ widerspiegelt.

Dieses neue Album wurde an drei verschiedenen Orten aufgenommen: beim Musikfestival Jazzdor in Straßburg, in einem Studio und an einem privaten Veranstaltungsort, beide in Paris.

„Das Konzert in Paris sollte eigentlich nicht aufgenommen werden, aber eine Stunde vor Beginn sagte mir meine Intuition, ich solle einen Freund bitten, ein Aufnahmegerät mitzubringen, und das tat ich dann auch. Die anderen Aufnahmen wurden professionell gemacht, daher weist die dritte einen anderen Klangcharakter und eine andere Qualität auf. Es hat mir großen Spaß gemacht, sie zusammenzuschneiden, zwischen den drei Quellen hin und her zu wechseln und den Klang ein wenig zu bearbeiten. Ich glaube, mein Ansatz ähnelte hinsichtlich der Gesamtstruktur eher dem Schnitt bei einem Film“, sagt Samuel Ber, der alle Stücke komponiert hat.

Mit Selbstvertrauen, Offenheit und Geduld bewegt sich das Trio durch komponierte und improvisierte Passagen. Das Ergebnis hat die Dynamik eines nie endenden Bewusstseinsstroms, wie ein Kritiker beim Klaeng-Festival im März 2024 schrieb.

Ihr erstes Album, „Maps & Synecdoches“, erschien 2018 und erhielt begeisterte Kritiken. Mit ihrem zweiten Album mit dem Titel „Trees on Wheels“ baut das Trio auf den Grundlagen, den Ideen und den kreativen Prozessen auf, die mit dem ersten Album gelegt wurden. Dieses Album erschien am 13. Juni 2025.

„Von Anfang an ist man beeindruckt von den verschlungenen Phrasen von Malaby, die in Jozef Dumoulin, der immer experimentierfreudig ist, ihr Echo finden. (…) Die Improvisation ist absolut und oft überraschend, der Weg ist gefährlich, fast unbekannt. Es ist wunderschön und zerbrechlich (…) Der Dialog, wie in Trance, zwischen Malaby und Ber, hat eine unglaubliche Intensität.“ – Jacques Prouvost (Jazzques, November 2015)

Foto © Ulla C. Binder